Die Philosophie des Jazz

[Musik aus der Umfrage mit freundlicher Genehmigung von Johannes Wilke Angry Ensemble (Copyright).]

Sie haben von 1998 bis 1999 in Amsterdam Jazz-Klavier studiert. Schlussendlich entschieden Sie sich dann aber gegen eine Laufbahn als Berufsmusiker und wandten sich stattdessen der Philosophie zu. Warum?

Dr. Daniel M. Feige: Mein Musikstudium habe ich abgebrochen, was ich heute manchmal durchaus bedauere. Hoher Erfolgsdruck, starke Konkurrenz und ein schwieriger Markt haben mir zu schaffen gemacht. Außerdem machen zehn bis zwölf Stunden Üben am Tag nicht immer Spaß. Man sitzt ja an einer Aktivität, die für Nichtmusiker ziemlich pathologisch ist. Jetzt vereine ich meine musikalischen und philosophischen Wurzeln und habe sozusagen durch mein Jazzbuch mein früheres Leben mit dem akademischen verbunden. Es ist ein Nachdenken über Jazz als philosophische Praxis. Man wird davon aber kein besserer Jazzmusiker.

Eine philosophische Betrachtung des Jazz im deutschen Sprachraum wird schnell mit Theodor W. Adornos kontroversem Aufsatz „Über Jazz“ (1936) verbunden. Was ist die Philosophie des Jazz? Warum ist der Jazz ein interessanter Gegenstand für eine philosophische Betrachtung?

Feige: Man muss dazu sagen: Seit vier oder fünf Jahren ist die Musikästhetik in Deutschland, die sich nicht zuletzt wegen Adorno lange Zeit im Dornröschenschlaf befand, wieder im Kommen. Jedoch ist das Thema “Jazz-Philosophie” bisher noch ein “Blind Spot” in der deutschen Musikphilosophie. Es gibt nur einige wenige Publikationen dazu, in denen noch seltener eine streng philosophische Auseinandersetzung mit der "Jazz-Philosophie" stattfindet. Dabei ist der Jazz ein hochspannender Beobachtungsgegenstand: Im Moment der Produktion geschieht alles. Diese besondere, intensive Zeitlichkeit zeichnet den Jazz aus. Auch wenn dies zunächst vielleicht überraschen mag, lassen sich am Jazz wichtige Aspekte der Kunst im Allgemeinen besonders prägnant aufzeigen. So gesehen ist der Jazz ein paradigmatischer und kein spezieller Gegenstand für die Ästhetik. Auch wenn der Jazz vergleichsweise jung ist, lassen sich in ihm Aspekte dessen erkennen, was Kunst überhaupt ausmacht bzw. was wir heute unter Kunst verstehen.

Die zentrale These Ihres Buches lautet: „Jazz macht nicht nur etwas explizit, was in der europäischen Kunstmusik[im allgemeinen Sprachgebrauch häufig als klassische Musik bezeichnet, Anm. d. Redaktion] implizit bleibt, sondern etwas, das für die Kunst als solche wesentlich ist.“ Das klingt sofort nach Wertung, ist laut Ihrer Aussage aber keine.

Feige: Für mich ist in diesem Zusammenhang insbesondere der „Werkbegriff“ wichtig. Bei einem Werk unterstellen wir, dass es abgeschlossen ist, sobald der Komponist seinen Stift weggelegt hat. Anschließend wird es eben mehr oder weniger gut gespielt. Ich halte diese Sicht für völlig falsch! Jedes Werk wird in seiner Aufführung durch die Interpretation weiterkomponiert. Es muss in jeder Aufführung aufs Neue beweisen, dass es etwas taugt. Im Jazz ist das klar: Das Werk ist jedes Mal unterschiedlich und somit einzigartig, da es live entsteht. Ich möchte hier keinen Vergleich zweier Musikrichtungen anstellen ebenso wenig wie ich Künste vergleichen würde. Was wir gut finden, hören oder sehen wir uns an. Ich möchte zeigen: Philosophisch interessierte Menschen können allgemein etwas Philosophisches vom Jazz lernen.

Sie bezeichnen die Logik, welche sowohl der Improvisations- [= Jazz, Anm. d. Redation] wie auch der Interpretationsmusik [europäische Kunstmusik, Anm. d. Redaktion]zugrundeliegt, als grundsätzlich gleich. Wie aber lassen sich Werke, die durch Interpretation leben, mit improvisationsabhängigen vergleichen. Ist die wiederholte Neuinterpretation in der Kunstmusik genauso wichtig für das Werk wie die ständige Neuinterpretation von Jazz-Standards?

Feige: Es gibt bei aller Verwandtschaft große Unterschiede zwischen europäischer Kunstmusik und Jazz, aber für beide gilt: Werke sind lebendig, sie sagen uns etwas - oder nicht. Ob etwas ein Kunstwerk ist, steht damit nicht ein für allemal fest; es gibt hier ein Moment der Kontingenz. Wenn beispielsweise ein Glenn Gould die Goldbergvariationen spielt, ist das völlig anders als z.B. eine aktuelle Interpretation. Es gibt kein mechanisches Verhältnis des Künstlers zum Werk sondern immer ein Hinzutun oder Herausarbeiten. Kunst ist grundsätzlich nicht mechanisch obwohl es Formelles und Handwerk gibt; es geht aber immer um Gelingen oder Misslingen – das Werk ist immer in geschichtlicher Bewegung. Die historische Aufführungspraxis sehe ich kritisch: Wenn dabei gute Musik rauskommt, ist das natürlich wunderbar und legitim! Wenn aber wie bei Woody Allens Film „Matchpoint“ Leute in die Oper gehen, um sich selbst zu bespiegeln, dann hat das mit Kunst nicht mehr viel zu tun. Erstaunlich finde ich, dass viele Konzertbesucher kein Bewusstsein dafür haben, dass Improvisation auch in der klassischen Musik ein integraler Bestandteil war und im Prinzip erst seit Beethoven verwerklicht wurde. Eine Ausnahme bildet die Kirchenmusik, in der Improvisation eine zentrale Rolle spielt. Auch in der Neuen Musik lebt zum Teil die Improvisation fort.

Eine strikte Trennung musikalischer Genre nimmt ab, die Differenzierung zu. Sie arbeiten am Beispiel europäischer Kunstmusik und Jazz heraus, dass auch hier die Trennschärfe nicht klar ist. Bewusst wählen Sie hier den Begriff „Kontraste“, statt „Unterschiede“; selbst Improvisation als Unterscheidungsmerkmal fällt weg. Adorno würde sich sicherlich im Grabe umdrehen und der konservative Klassikhörer ist empört!

Feige: Mir tun die Leute ein bisschen leid, die so engstirnig sind. Ihnen entgeht eine Musik, die es sich anzuhören lohnt. Ich finde es grundsätzlich falsch, ganze Genres, Medien oder Kunstformen pauschal abzulehnen. Ein gelungenes Kunstwerk macht sich das Genre, in das es hinein zu gehören scheint, zu Eigen und zu etwas Eigenem. Da sind wir noch einmal beim Gedanken des Mechanischen: Stile, Gattungen und Genre sind nicht einfach Klassen, in die wir Musik reinstopfen können. Es gibt in jedem Stil Gelingen und Misslingen. Wer nur einen ganz engen Kanon in der Musik hat, der hat nicht zu Ende gedacht, seine Ohren schon an der falschen Stelle verschlossen. In der Kunst gibt es keinen Kanon ohne Streit darum. Das ist nichts, was die alten Herren mit langen weißen Bärten hinter verschlossenen Türen festlegen. Zu meinen, dass man feste Dinge labeln könnte, das bringt nie etwas. Das Einzige, was man in der Ästhetik machen kann, ist den Anderen sehen und hören machen, indem man seinen Blick und seine Ohren lenkt. Und der Jazz hat es natürlich verdient, alle Aufmerksamkeit zu bekommen!

Titelbild: The Queens Hall / flickr.com (CC BY-NC-ND 2.0)

Bilder im Text: Maurice Schönen | Zeppelin Universität,

„Till Brönner“ von Tom Beetz @ http://home.hetnet.nl/~tbeetz/index.html. Lizenziert unter CC BY 2.0 über Wikimedia Commons,

„Louis Armstrong restored“ von World-Telegram staff photographer -

Library of Congress Prints and Photographs Division, New York 

World-Telegram and the Sun Newspaper Photograph Collection.

Dieses Bild ist unter der digitalen ID cph.3c27236 in der Abteilung 

für Drucke und Fotografien der US-amerikanischen 

Library of Congress abrufbar. Lizenziert unter Public domain 

über Wikimedia Commons,

Maurice Schönen | Zeppelin Universität (Fotogalerie)

Interview-Antworten: Dr. Martin M. Feige

Interviewer: Jonas Pirzer
Redaktionelle Umsetzung: Florian Gehm und Alina Zimmermann